Spread the love

Что считать дизайном, каким образом этот англицизм пришёл в нашу жизнь, и почему Гельветика стала спонсором войны во Вьетнаме, рассказывает краткий конспект истории дизайна, подготовленный по материалам открытого курса от Высшей школы экономики. Список основных моментов для тех, кто хочет освоить этот пласт визуальной культуры.

  1. Зарождение дизайна.

На этапе становления дизайна можно заострить внимание на двух феноменах, давших начало бурного развития дизайна: движение искусств и ремесел, и искусство прерафаэллитов.

Движение искусств и ремесел

Период правления королевы Виктории в Англии прославился не только жесткими корсетами, пятичасовыми чаепитиями и первой Всемирной выставкой, но и совершенно новым подходом к дизайну бытовых вещей. В эпоху бурного развития промышленности горстка людей осмелилась противопоставить свое мнение неумолимому прогрессу. Для Уильяма Морриса (William Morris), которого нередко называют родоначальником английского дизайна, это время стало непростым временем: ему приходилось противостоять самому духу своей эпохи.

Именно его идеи привели, в конечном счете, к появлению handmade в том виде, в котором мы его знаем. Тот фитилек который он распалил дал начало пожару, охватившему весь мир: и в Европе, и по другую сторону Атлантического океана образовывались сотни объединений, придерживавшихся ручного труда. Это новое, живое течение в истории обрело название «Движение Искусств и Ремесел» (Arts and Crafts movement).

col-12-ad-09-03-4

Обои Morris и другие творения Уильяма Морриса

На заре истории дизайна. Искусство Прерафаэлитов

Название «прерафаэлиты» (англ. Pre-Raphaelites) должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело: Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини.

Главной их целью стала борьба против условностей викторианской эпохи, слепому подражанию классическим канонам. Самыми видными членами прерафаэлитского движения были поэт и живописец Данте Габриэль Россетти, живописцы Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле, Мэдокс Браун, Эдвард Бёрн-Джонс, Уильям Моррис, Артур Хьюз, Уолтер Крейн, Джон Уильям Уотерхаус.

Изабелла и горшок с базиликом. 1868

Изабелла и горшок с базиликом. 1868

  1. Дизайн ар-нуво

Термином «Ар Нуво» обозначают элегантный, многожанровый стиль, процветающий с начала 1880-х годов вплоть до первой мировой войны. Его рождение ознаменовало наступление века великих перемен в искусстве, когда в жизни уже прочно утвердился век машин, и полным ходом шла промышленная революция. Мир стремительно развивался, однако в области искусства эти изменения происходили гораздо медленнее. Художники и дизайнеры выступали против засилья «историзма», когда многочисленные стилевые заимствования из культур самых разных исторических эпох смешивались в битком набитых «викторианских» гостиных. Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи, машинный век был способен насытить этот спрос товарами массового производства; однако тиражирование красоты привело к неразборчивости и безвкусице. В поисках новых решений нещадно эксплуатировались все без исключения исторические периоды, наблюдались бесконечные возвраты к старым стилям: классическому, готическому, ренессансу, барокко или стилю Людовика ХV.

kakie_byvayut_stili_dizajna_v_interere_6546

  1. Европейский авангардный дизайн 1910-х — 1920-х гг.

Говоря о дизайне начала 20 века, следует учесть вклад художников в общее дело. Часто в то время художники становились дизайнерами и дизайнеры начинали создавать ар-объекты и художественные инсталляции.

Искусство европейского авангарда

Формообразование в дизайне основывается на эстетике универсальной абстрактной геометрической формы. Его выработка напрямую связана с формированием модернистских и авангардных течений в искусстве первой половины XX в.

На основе достижений супрематизма, конструктивизма и неопластицизма в области формообразования и под влиянием кубизма, футуризма и дадаизма сложились художественно-эстетические установки новой визуально-проектной культуры.

Под влиянием теории «искусство ради искусства», развиваемой французским поэтом, писателем и художником Т. Готье с 1850-х гг., в европейском искусстве постепенно начинает складываться эпоха модернизма.

Под термином «модернизм» понимаются как собственно модернистские, так и авангардные течения. Если художники-модернисты искали именно новые художественно-выразительные средства, новый художественный язык, то для представителей авангардного искусства важно было не только продекларировать новое понимание задач искусства, но и пересмотреть суть художественно-эстетической деятельности как таковой.

Модернизм включил в себя два течения – модернистское и авангардное.

Модернистские течения: импрессионизм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм, модерн (стиль), фовизм, экспрессионизм, примитивизм, кубизм, живописный реализм, социальный реализм.

Авангардные течения: футуризм, абстрактное искусство.

Абстрактное искусство включило в себя негеометризованное и геометризованное искусство.

Геометризованное искусство включило в себя: супрематизм, конструктивизм, неопластицизм, дадаизм, метафизическая живопись, сюрреализм.

Picabia, Francis (French, 1879-1953)

Picabia, Francis (French, 1879-1953)

Дизайн

В это время формируются дизайнерские школы, объединенные общей идеей.

Голландская группа «Де Стейл» – общество художников, образованное под флагом неопластицизма. В своем журнале они регулярно публиковали свои статьи, ориентированные на радикальное обновление в искусстве. Художественное произведение должно носить рационально-утилитарный контекст. Основные элементы живописи: прямой угол и три цвета красный, желтый и синий. Дополнительные белый и черный. Вдохновились идеями В. Кандинского.

Голландская группа «Де Стейл» известна художником Тео ван Дусбургом. В неё входили живописцы, архитекторы, артисты, поэты, дизайнеры, видевшие в абстракционизме новый универсальный язык искусства. Важным объединяющим началом группы служил одноименный журнал, который выходил с 1917 по 1931 год. В манифесте «Де Стейл» (1918) был провозглашен отказ от естественных природных форм в пользу простых и упорядоченных геометрических конструкций. Один из лидеров группы – Пит Мондриан – предложил термин «неопластицизм» (новое пластическое искусство) для характеристики стиля Де Стейл. Мондриан считал, что следует исключить из искусства естественную человеческую чувствительность и восприимчивость.

6efa08af13ea01198099bbc576bde2f3

  1. Советский авангардный дизайн 1920-х гг.

Термин «дизайн» в русский язык пришло не сразу. Его долго запрещали использовать тем, кто вдохновлялся опытом Соединенных Штатов и участвуя в международных конференциях рассказывал не переводя некоторые слова. Этот термин до 70-х годов заменяли словосочетание: «художественное конструирование». Также из-за тесной связи с Германией слово «дизайн» в русском языке могло бы выглядеть как «formgebung».

Традиционный русский максимализм, ярко проявившийся ещё в движении «передвижников» и «шестидесятников» девятнадцатого столетия, был лишь усилен русской революцией и привел к тому, что Советская Россия стала родиной авангардного искусства. Становление советского дизайна, принципиально отличается от процессов формирования дизайна в других странах. В нашей стране главным импульсом становления дизайна была не промышленность.

Среди пионеров советского дизайна, тех, кто включился в процесс формирования производственного искусства в первые пятнадцать лет после Октябрьской революции, можно условно выделить три поколения. Художники первого поколения, как правило, еще до революции получили систематическое художественное образование и активно участвовали в формировании и развитии левых течений изобразительного искусства. Дизайнеры, как правило, были не только дизайнерами: В. Татлин, К. Малевич, А. Родченко, А. Веснин, Л. Попова, А. Лавинский, Л. Лисицкий, А. Экстер, В. Степанова, Г. Клуцис, А. Ган и др.

Для Кандинского абстрактное искусство – духовная игра, забава, пренебрегающая реальностью. Он считал, что искусство принадлежит современной ему эпохе и отражает ее на самом глубинном уровне. Поэтому нет смысла подражать классике, идеалам прошлого, потерявшим свою актуальность. Его «архитектоны» – супрематические композиции, переведенные в трехмерные скульптуры – оказали огромное влияние на все развитие европейского авангарда

Пионеры советского дизайна второго поколения – это те, кто не успел до революции получить систематическое художественное образование. Многие из них не имели достаточных профессиональных навыков, им практически не от чего было отказываться в своем творчестве. И художники третьего поколения – это те, кто уже стал обучаться новым появившимся канонам супрематизма и конструктивизма у своих учителей.

0_16a7e8_d92fd37f_orig

  1. Школа Баухауз и модернистский дизайн в Европе в конце 1920-х — 1930-е гг.

20-30 годы сформировали определённый подход к графическому дизайну и рекламе. Этот подход характеризуется:

  1. декоративностью, но без изысков (арт-деко упростил модерн);
  2. простотой и смелостью, но отказом от индексальности и элитарности (арт-деко усложнил модернизм);
  3. стремлением к красоте, переходящим в «красивость» и китч, стремлением нравится большинству (отсюда реалистичность).

Графический дизайн в 20-30 годы теряют остроту жеста, яркие стилистические характеристики, элитарность, но обретают черты массового феномена. 20-30 годы XX века — время господства стиля арт-деко. Намечается переход к стилистике массового дизайна 50-х.

Баухауз – первая школа дизайна. В 1919 году в небольшом германском городе Веймаре был создан «Баухауз». Во главе стал его организатор, прогрессивный немецкий архитектор Вальтер Гропиус, ученик Петера Беренса. В короткое время это место стало подлинным методическим центром в области дизайна. В числе его профессоров были крупнейшие деятели культуры начала XX столетия архитекторы Мис ван дер Роэ, Ганнес Майер, Марсель Брейер, художники Василий Кандинский, Пауль Клее, Лионель Фенингер, Пит Мондриан.

 1289303071-dsc6208

  1. Уроки швейцарской школы

Swiss International Style, была основана в 1927 году художниками-графиками Я. Чихольдом, Й. Мюллер-Брокманном. Продолжив исследования немецких типографов, швейцарцы создали новые виды шрифтов без засечек, облегчающих чтение и запоминание текстов.

Основное направление развития школы — улучшение зрительного восприятия графических работ и применение системы модульной сетки.

Швейцарский стиль отличает:

  • функциональность
  • простота, лаконичность, точность
  • свободное пространство
  • асимметричная компоновка работ
  • шрифты без засечек
  • читаемость.

Во всех работы представителей швейцарской школы используются гарнитуры без засечек.

А. Хофман, К. Герстне, Г. Материя и другие дизайнеры швейцарской школы стали первыми использовать крупные, часто чёрно-белые, фотографии, новые шрифты без засечек, геометрические и буквенные композиции, создающие настроение.

Рекламные и технические тексты, выполненные таким образом, привлекают к себе внимание, лучше воспринимаются.

swiss-international-style-screenshot-google

 

  1. Промышленный дизайн в США в середине XX века

В послевоенное время наблюдается рост новых экономических и культурных тенденций, а соответственно и заинтересованность в развитии сферы торговли. Из-за появления мультинациональных корпораций ускоряются и коммуникативные процессы. В таких условиях стала необходима коммуникативная ясность — усвоение информации людьми разных национальностей. Графический дизайн, развивавшийся в Швейцарии в 1950-е годы был направлен на решение этих задач. Прежде всего дизайнеры занялись распространением своих визуальных методов по всему миру.

 В середине 60-х строгий ясный стиль подвел к главному математическому изобретению в графическом дизайне —  модульной сетке. И уже ранее известный нам Й. Мюллер-Брокман впервые представил многообразие и способы моделирования модульной сетки в своей книге «Задачи художника-графика в сфере дизайн-конструирования» (Gestaltangsprobleme des Grafikers, 1061).

3531071092_d2d005eb7f

  1. Модернистский промышленный дизайн в Европе после Второй мировой войны

Вторая мировая война и последующие войны США с Японией и Вьетнамом обнажили связь между промышленностью и политическими действиями. Поскольку крупным заказчиком на дизайн выступали крупные концерны и промышленные объединения, фирменный стиль которых использовал в то время в основном шрифт Гельветику, то эти визуальные образы стали восприниматься негативно. Дизайнеры приняли попытку создания своего идеалистического общества, поэтому в это время дизайн начинает иметь политический оппозиционный характер.

Италия. Итальянское экономическое чудо. Особенности итальянского дизайна: синтез искусства и ремесла, дизайн как область культуры, «радость эксперимента». Италия как лидер новых начинаний в дизайне. Предметы как индивидуальные личности и символ определенного статуса: «Итальянский Гауди» Карло Моллино. Стиль Оливетти (Этторе Соттсасс, Марко Занузо, Марио Беллини). Новые материалы, новые технологии: фирма Картель; К. Моллино, П. Форназетти, Дж. Понти, Э. Соттсасс, О. Борсани, братья Кастильони. Дизайн в Италии специальность инженеров, архитекторов, философов, писателей. Ассоциация дизайна (АДИ) 1956 г. – пропаганда и поощрение развитие дизайна в стране, привлечение дизайнеров к работе, направленной на повышение технического и эстетического уровня промышленной продукции, установление контактов и сотрудничества между дизайнерами, инженерами и предпринимателями. Ежегодная  премия «Золотой циркуль» 1954 г. — присуждаемая за лучшие изделия массового или  серийного производства, при разработке которых наряду с решением функциональных, технических и технологических проблем были достигнуты высокие эстетические качества.

Радикальный дизайн – как своеобразная реакция протеста на господствующий «хороший дизайн». Утопические проекты, борьба с геометрией модернизма, создаваемые конкретные объекты отличались провокационностью или ироничностью. Антидизайн — «дизайн без предметов» – дизайн поведения, отказ от канонических методов проектирования и замена их игрой, большая экспериментальная направленность и политизация. Критическое отношение к развитию современных технологий и потребительскому настроению, утверждение теории «бегства» и через провокационные действия. Поиск новых альтернативных форм. Итальянские группы, представители новых направлений. Пьеро Гатти, Чезаре Паолини, Франко Теодоро.

Новые лидеры поп-дизайна: «Алхимия» и «Мемфис». Вторая волна антидизайна в конце 70-х.

Stil-pop-art-v-interere-interesno-yarko-kreativno-1-1024x623

Япония. Государственные информационные центры по развитию дизайна (1952 г.), международные конференции, Фонд японского дизайна. Роль в формировании японского дизайна компаний Toyota, Nisan, Honda, Sony, Mitsubishi. Становлению японского дизайна как коммерческого. Обучение дизайнерским навыкам в школе – как часть государственной политики (человек, воспитанный в любви к красоте, не позволит себе брак на производстве; развитие чувства прекрасного способствует развитию внутреннего рынка; способствует формированию всесторонне развитого человека, гуманизации характера). Единство в современном японском дизайненациональных и интернациональных мотивов и принципов. Основные черты японского дизайна: практическая направленность, единство пользы и красоты, опора на традицию, связь с природой, синтетичность, посредством дизайна должна раскрываться сущность, истинность вещи.

modern_graphic_3

  1. Новая волна — умеренный постмодернизм (1970-1980 гг.)

Катализатором деформации стиля стало творчество союза двух дизайнеров: З. Одрематта и Р. Тисси. Изначально ими был выбран классический швейцарский стиль типографики с контрастом прямых и изогнутых, горизонтальных и наклонных, массивных и тонких, как форм так и линий. Но, не имея профессионального образования, в классику дизайнеры внесли свой, авторский стиль — некий элемент спонтанности в изображении. Выражался этот элемент в оригинальных комбинациях форм и линий, мягкой иронии — то, что развлекало зрителя. Используя эксперименты, Одерматт и Тисси не отступали от использования модульной сетки, в их тактике развития стиля соединялись концепт и интуиция.

Лидером «новой волны» стал Вольфганг Вейнгарт. Его целью было доказать, что типографика — это искусство. Вейнгард скептически относился к современной швейцарской типографике, на его взгляд, она становилась синонимом ортодоксальности.

«Рабская привязанность к принципам швейцарского стиля ведет к застою». «Нарушая порядок, Вейнгарт соблюдал его». Стилистические особенности «новой волны» — это отдельные блоки заливок, вариации с межбуквенными пространствами — интерлиньяжем.

los_angeles_olympics_84-23

 Подготовил реферат арт-директор «Зайчапай», Алевтина Шаталова